Archivo de la categoría: Cultura y Entretención

Picasso vuelve a la vida en cómic

Las viñetas componen el perfil de un Picasso enérgico y ambicioso, fascinado por el París de las exposiciones universales y por las mujeres de la "Belle Époque". (EFE)

Los primeros años de Picasso en París, impregnados de bohemia, mujeres, tragedia y pinceles, llegan a las librerías francesas con una serie de cuatro volúmenes de cómics firmados por el dibujante Clément Oubrerie y la guionista Julie Birmant.

La novela gráfica, que edita Dargaud y recrea las vivencias del pintor entre 1900 y 1912, debuta con “Pablo 1. Max Jacob” y recupera los recuerdos de Fernande Oliver, una modelo que posaba para algunos de los artistas instalados en París a inicios del siglo XX y que se convirtió en el primer gran amor de Pablo Picasso (1881-1973).

Las viñetas componen el perfil de un Picasso enérgico y ambicioso, fascinado por el París de las exposiciones universales y por las mujeres de la “Belle Époque”.

En 87 páginas de viñetas llenas de ímpetu y trazos nerviosos y con una tirada de 37.000 ejemplares, el volumen inaugural de la serie relata la llegada del genio malagueño a París, con apenas veinte años y acompañado de su íntimo amigo y también pintor Carlos Casagemas, con quien compartiría un estudio en el número 49 de la rue Gabrielle.

Un año después, un Casagemas atormentado se quitaría la vida de un tiro en la cabeza, después de haber intentado asesinar a Germain, la bailarina del cabaré “Le Moulin Rouge” con quien mantenía una relación.

Aquel drama marcó profundamente al genio cubista, quien derivó entonces su escala cromática e inauguró el “período azul”, que se extendería hasta 1904.

El cómic, que no se priva de ilustrar los incontables romances de Picasso, detalla cómo la muerte de Casagemas desquició al artista, que pintaba obsesivamente mientras erraba entre amantes y botellas de alcohol.

Jacob, que da nombre al primer tomo de la novela gráfica, dio además refugio a Picasso cuando se granjeó una fama de “poeta maldito” que generaba lienzos llenos de aflicción y soledad.

La novela gráfica de Picasso, que se publicará en español en 2013, no es la única biografía en cómic con la que el 2012 ha inaugurado la temporada literaria en Francia, donde las librerías también han visto llegar “Virginia Woolf”, de Michle Gazier y Bernard Ciccolini, “Freud”, de Corinne Maier, Anne Simon.

El hombre que perfeccionó la ampolleta nació en un día como hoy: Thomas Alva Edison

Thomas Alva Edison (Milan, Ohio, 11 de febrero de 1847 – West Orange, Nueva Jersey, 18 de octubre de 1931) fue un inventor y empresario estadounidense. Desarrolló muchos artefactos que influenciaron extremadamente la vida alrededor del mundo, incluyendo el fonógrafo, la cámara de cine y una ampolleta de luz eléctrica durable y práctica. Apodado “El Mago de Menlo Park” (hoy Edison, Nueva Jersey) por un reportero de periódico, fue uno de los primeros inventores en aplicar los principios de la producción en masa y un amplio grupo de trabajo al proceso de invención y por lo tanto es a menudo acreditado por la creación del primer laboratorio industrial de investigación.

Edison es el cuarto inventor más prolífico de la historia (detrás de Kia Silverbrook, Shunpei Yamazaki y Paul Lapstun), poseyendo 1093 patentes de EEUU a su nombre, así como muchas patentes en el Reino Unido, Francia y Alemania. Es acreditado por numerosas invenciones que contribuyeron a la comunicación en masa y, en particular, a las telecomunicaciones. Estas incluyen un teletipo de acciones, un grabador mecánico de votos, una batería para un auto eléctrico, energía eléctrica, música grabada y películas.

Su avanzado trabajo en estos campos fue fruto de su temprana carrera como operador de telégrafo. Edison originó el concepto e implementación de la generación de energía eléctrica y su distribución a hogares, negocios y fábricas -un desarrollo crucial en el mundo industrializado moderno-. Su primera estación de poder estuvo en la isla de Manhattan, Nueva York.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=VUl7cU2eo8g[/youtube]
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=JoIdGyubsGk[/youtube]

En un día como hoy, la máquina derrotó al hombre… en ajedrez: Deep Blue vs Gary Kasparov

Deep Blue vs Gary Kasparov es la denominación genérica para los famosos matches de ajedrez, jugados a 6 partidas entre la supercomputadora de IBM Deep Blue y el Campeón del mundo de ajedrez, Gary Kasparov. El primer match se jugó el 10 de febrero de 1996 en Philadelphia, Pennsylvania. Kasparov lo ganó 4–2, perdiendo una partida, empatando 2 y ganando 3. Lo que en notación ajedrecística se escribe +3 =2-1.

En 1997, se disputó un segundo match, que fue llamado “el más espectacular duelo de ajedrez de la Historia”. En esa ocasión, la supercomputadora Deep Blue, que había sido mejorada desde el anterior encuentro, ganó a Kasparov 3½–2½ (+2 =3-1).

El Match de 1996

Partida Blancas Negras Resultado Match
1º (10 de febrero) Deep Blue Kasparov 1–0 Deep Blue 1 – 0 Kasparov
2º (11 de febrero) Kasparov Deep Blue 1–0 Deep Blue 1 – 1 Kasparov
3º (13 de febrero) Deep Blue Kasparov ½–½ Deep Blue 1½ – 1½ Kasparov
4º (14 de febrero) Kasparov Deep Blue ½–½ Deep Blue 2 – 2 Kasparov
5º (16 de febrero) Deep Blue Kasparov 0–1 Deep Blue 2 – 3 Kasparov
6º (17 de febrero) Kasparov Deep Blue 1–0 Deep Blue 2 – 4 Kasparov
Resultado: Kasparov – Deep Blue: 4–2

El Match de 1997

Partida Blancas Negras Resultado Match
1º (3 de mayo) Kasparov Deep Blue 1–0 Deep Blue 0 – 1 Kasparov
2º (4 de mayo) Deep Blue Kasparov 1–0 Deep Blue 1 – 1 Kasparov
3º (6 de mayo) Kasparov Deep Blue ½–½ Deep Blue 1½ – 1½ Kasparov
4º (7 de mayo) Deep Blue Kasparov ½–½ Deep Blue 2 – 2 Kasparov
5º (10 de mayo) Kasparov Deep Blue ½–½ Deep Blue 2½ – 2½ Kasparov
6º (11 de mayo) Deep Blue Kasparov 1–0 Deep Blue 3½ – 2½ Kasparov
Resultado: Deep Blue–Kasparov: 3½–2½

Cuidado con lo que publican en Facebook: Padre “ejecuta” notebook de su hija por criticarlo

Criar hijos en estos días no es fácil; las nuevas tecnologías y las redes sociales han hecho que las relaciones entre padres e hijos sean difíciles de manejar. Pues bien, un hombre decidió llegar hasta un punto bastante extremo para enseñarle a su hija qué no debe hacer en las redes sociales.

Tommy Jordan es un granjero de Austin, Texas. Su hija de 15 años, molesta por tener que hacer demasiadas labores domésticas (limpiar, hacer la cama, lavar la ropa, etcétera), escribió una carta de reclamo en contra de sus padres -con palabrotas y todo- y la subió a su perfil de Facebook para que todos la leyeran -con excepción de sus padres, por supuesto-.

Pero Jordan descubrió la carta de todos modos. Indignado y decepcionado, decidió darle a su hija un castigo ejemplar: imprimió el post, lo leyó frente a una cámara para más tarde subir el video a YouTube y rebatió los reclamos de ella punto por punto.

Y si eso fue poco, tomó el notebook de su hija, el que hace poco había invertido en actualizaciones a petición de ella, y descargó sobre este toda una ronda de balas con su pistola calibre 45.

Moraleja: ¡Chicos! Si les piden que hagan su cama, háganlo… y no dejen que sus padres vean este video; podrían sacar  algunas ideas de este.

El “Padre del Manga” falleció en un día como hoy: Osamu Tezuka

"En el tiempo que te tomó leer esto, él dibujó un manga de más de 100 páginas"

Osamu Tezuka (Osaka, 3 de noviembre de 1928 – Tokio, 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el “Padre del Manga”; incluso es considerado el equivalente japonés de Walt Disney (a quién Tezuka admiraba), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.

Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que hasta el día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes, que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa, constituyen un legado de Tezuka.

Entre sus obras más reconocidas están Metrópolis, Astroboy, Kimba: El León Blanco, La Princesa Caballero y Black Jack, entre otras.

Astroboy

La Princesa Caballero

Kimba: El León Blanco

Black Jack

Uno de los compositores más renombrados de Hollywood está de cumpleaños: John Williams

John Towner Williams (Floral Park, Nueva York, 8 de febrero de 1932) es un compositor, pianista y director de orquesta estadounidense.

En una carrera que se extiende durante más de cinco décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas bandas sonoras de la historia del cine como: Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E. T.: El extraterrestre, Superman, la saga de películas de Indiana Jones, Parque Jurásico, La Lista de Schindler, Memorias de una Geisha, Harry Potter, Inteligencia Artificial entre muchas otras. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión y varias piezas de concierto.

Williams ha recibido el Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood en cinco ocasiones y tiene en su poder 45 nominaciones, convirtiéndolo en la persona que ha recibido más nominaciones a los Óscar. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.

He aquí una muestra de sus obras:

Inteligencia Artificial

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=B27ex5N-qSQ[/youtube]

La Lista de Schindler

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=XLK5OWU2YGw[/youtube]

Superman

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=e9vrfEoc8_g[/youtube]

Star Wars

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=g0uplUvP_Qg[/youtube]

 

El mayor novelista inglés del período Victoriano nació en un día como hoy: Charles Dickens

Charles John Huffam Dickens fue uno de los más conocidos novelistas de la literatura inglesa y universal, quien supo manejar con maestría el género narrativo, el humor, el sentimiento trágico de la vida, la ironía, con una aguda y álgida  crítica social así como las descripciones de gentes y lugares, tanto reales como imaginarios.

Nació el 7 de febrero en Landport, Portsmouth, Inglaterra. Pasó su infancia en Londres y en Kent, lugares descriptos frecuentemente en sus obras. Abandonó su escuela y se vio obligado a trabajar desde muy chico, al ser encarcelado su padre por deudas. La mayor parte de su formación la hizo como autodidacta, y su novela “David Copperfield” (1850) es en parte autobiográfica y trasunta sus sentimientos al respecto. A partir de 1827 comenzó a prepararse para trabajar como reportero, en una publicación de un tío, The Mirror of Parliament, y para el periódico liberalThe Morning Chronicle.

Aprendió taquigrafía y, poco a poco, consiguió ganarse la vida con lo que escribía; empezó redactando crónicas de tribunales para acceder, más tarde, a un puesto de periodista parlamentario y, finalmente, bajo el seudónimo de Boz, publicó una serie de artículos inspirados en la vida cotidiana de Londres (Esbozos por Boz).

La publicación por entregas de prácticamente todas sus novelas creó una relación especial con su público, sobre el cual llegó a ejercer una importante influencia, y en sus novelas se pronunció de manera más o menos directa sobre los asuntos de su tiempo.

En estos años, evolucionó desde un estilo ligero a la actitud socialmente comprometida de Oliver Twist.

Charles Dickens era una personalidad muy reconocida y sus novelas fueron muy populares durante su vida.

Su vida familiar fue azarosa, con varios fracasos matrimoniales y muchos hijos.

Murió el 9 de junio de 1870 en Gad’s Hill Place, Higham. Sus restos fueron sepultados en la abadía de Westminster.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=mgXDTCnNc9k[/youtube]

El mayor pianista que ha tenido Chile nació en un día como hoy: Claudio Arrau

El pianista chileno Claudio Arrau León es considerado uno de los más prodigiosos intérpretes de todos los tiempos. Su repertorio, muy vasto, abarcaba desde Bach hasta los autores contemporáneos, pasando por Mozart, Beethoven, Liszt, Schubert, Chopin o Debussy. Arrau no fue sólo uno de los más destacados pianistas del siglo XX (cuyo magisterio ha quedado conservado en sus numerosas grabaciones discográficas) sino también uno de los últimos continuadores de una tradición interpretativa que hunde sus raíces en Franz Liszt: aquella que considera el virtuosismo técnico únicamente como un medio para servir a la música, y no como un fin en sí mismo.

Nació en Chillán el 6 de febrero de 1903. Su padre, Carlos Arrau Ojeda, falleció cuando él tenía sólo un año. Su madre, Lucrecia León, profesora de piano, encaminó sus primeros pasos y aprendizajes en el mundo de la música. Su capacidad fue tal, que a los 5 años realizó su primer concierto en el Teatro Municipal de Chillán y en 1909, a la edad de 6 años, el precoz Claudio ofreció su primer concierto en Santiago de Chile en el Palacio de la Moneda, donde interpretó obras de Mozart, Beethoven y Chopin frente al presidente de la República, Pedro Montt, y otras autoridades.

A los siete años, en 1910, recibió una beca del gobierno de Chile para estudiar música en Alemania, país donde residió durante once años; en Berlín tuvo como maestro a Martin Krause, uno de los últimos discípulos de Liszt. En sus años de formación ofreció recitales en diversas ciudades de Alemania, Reino Unido y Escandinavia. Antes de cumplir los veinte años había sido galardonado en dos oportunidades con el premio Liszt, y más tarde obtuvo el Grand Prix International des Artistes. Contrajo matrimonio con la cantante Ruth Schneider, con quien tuvo tres hijos.

Tras su retorno a Chile, en 1921, Arrau visitó Estados Unidos en 1924 y en ese país ofreció conciertos con las orquestas sinfónicas de Boston y Chicago. Ese mismo año regresó a Berlín, donde le fue ofrecido un cargo de profesor en el conservatorio local, pero prefirió continuar con sus giras y recitales. Su figura se hizo legendaria entre el público de Alemania y Austria debido a su conocimiento y dominio de las obras de los principales compositores de estos países, en particular de Ludwig van Beethoven.

En 1935 ofreció una serie de doce recitales en la capital alemana en los que interpretó el conjunto de piezas para teclado de Johann Sebastian Bach, haciendo lo mismo al año siguiente con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart. Dos años más tarde, en una gira por Chile, Argentina y México, sus conciertos incluyeron las sonatas y conciertos para piano de Beethoven.

Arrau ya era un intérprete de fama mundial a fines de la década de 1930. El endurecimiento del régimen nazi lo llevó a abandonar Alemania y en 1941 se trasladó a Estados Unidos, fijando su residencia permanente en Nueva York, una ciudad que Arrau consideraba su hogar, aunque pasó gran parte de su vida viajando por el mundo, con una vitalidad asombrosa que le permitió realizar giras y recitales hasta después de cumplir ochenta años. A partir de 1941, en efecto, Arrau prosiguió su carrera en los escenarios cosechando éxitos y honores por todo el mundo.

Además de uno de los grandes pianistas del siglo, Arrau fue un sistemático estudioso de la literatura pianística del Clasicismo, el Romanticismo y el Impresionismo, de la que nos dejó grabaciones con frecuencia integrales (así de la música pianística de Chopin o Beethoven) que constituyen auténticos hitos de la interpretación. Fue también destacado intérprete de Bach desde su juventud, aunque un estudio detallado de la obra de Bach lo llevó a negarse a interpretarla en piano por considerar que el complicado contrapunto de cantor de Leipzig no quedaba suficientemente bien retratado en el sonido brillante y lleno de armónicos del piano moderno. Por esta razón impidió que se publicaran sus grabaciones, por demás magistrales, de El Clave Bien Temperado y los Ejercicios para Clave, que se dieron a conocer póstumamente.

Foto: museoarrau.cl

Sorprende tal rigor (el intérprete señaló que interpretaría de nuevo a Bach el día que supiese tocar el clave) en época tan temprana, cuando apenas comenzaba a desarrollarse de nuevo la técnica clavecinística, mirada poco menos que como un capricho de purista por intérpretes y público. Es una muestra, sin duda, del cuidado con que Arrau afrontaba la música que iba a interpretar. No nos encontramos, sin embargo, con interpretaciones retóricas e historicistas; muy al contrario, Arrau se caracterizó siempre por lo poco ostentoso de su interpretación y por la hondura del sentimiento que transmite, para el que se vale en ocasiones de tiempos muy lentos que no disminuyen la expresividad y que muestran su maestría técnica.

Como parte de sus estudios musicológicos merece destacarse su edición de las Sonatas para piano de Beethoven, realizada para la editorial Peters. En 1967 creó los Fondos Claudio Arrau para ayudar a la formación de jóvenes músicos. De entre los honores alcanzados, es digna de mención la Medalla Hans von Bülow que le concediera en 1978 la Filarmónica de Berlín. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Arte de Chile, hecho que según el mismo pianista era su consagración definitiva, señalando:

Ser reconocido por la gente y la tierra donde uno nació es para mí la consagración definitiva. A uno lo pueden distinguir los amigos, los admiradores y los críticos, pero si falta el reconocimiento de la propia familia, el honor y la fama son incompletos. Ahora la familia chilena ha decidido concedérmelo y mis sentimientos son una mezcla de gran humildad y emocionada satisfacción.

Claudio Arrau León murió en la ciudad de Mürzzuschlag, en Austria, el 9 de junio de 1991, mientras realizaba un tour de conciertos por Europa. Sus restos fueron repatriados y sepultados en su natal Chillán.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=acyszPPlqic[/youtube]

El artista que nos presentó una de las criaturas más icónicas del cine está de cumpleaños: H. R. Giger

Hans Ruedi Giger es reconocido como uno de los artistas más importantes del mundo del Realismo Fantástico.

Nació en la pequeña ciudad de Chur, Suiza, el 5 de febrero de 1940. Giger creció en un ambiente de familia de clase media bastante normal. Su padre era el farmacéutico local. Cuando era bastante joven, su padre recibió un cráneo humano como una promoción profesional de parte de una firma farmacéutica y el joven Hans Ruedi quedó embelesado con este.

Rápidamente desarrolló una fascinación con todas las cosas oscuras y extrañas y luego encontró inspiración en las cartas postales y fotos de revistas mostrando los trabajos de Salvador Dalí y Jean Cocteau. Melli, la madre de Giger, fue un gran estímulo para él, aunque no siempre entendió las extrañas fascinaciones de su hijo.

Luego de terminar la secundaria en 1962, Giger se mudó a Zurich, en donde estudió arquitectura y diseño industril en la Escuela de Artes Aplicadas. Para 1964 estaba produciendo sus primeros trabajos de arte, en su mayoría dibujos en tinta y pinturas al óleo, resultando en su primera exhibición solista en 1966, seguida por la publicación y distribución mundial de su primera edición de poster en 1969. Poco tiempo después, descubrió el aerógrao y, junto con este, su propio y único estilo de pintura a mano libre, lo que lo condujo a la creación de muchos de sus más conocidos trabajos, los paisajes de pesadilla biomecánicos y surrealistas, los cuales forman la piedra angular de su fama. A la fecha, más de 20 libros han sido publicados sobre el arte de Giger.

Su más famoso libro, Necronomicon, publicado en 1977, sirvió como la inspiración visual para la película del director Ridley Scott, Alien: El Octavo Pasajero, la primera asignación cinematográfica de alto perfil de Giger, que le valió en 1980 el Oscar a Mejores Efectos Visuales por su diseño del personaje titular del filme, incluyendo todas las fases de su ciclo de vida, más los ambientes extraterrestres de la película. Otros de los trabajos famosos que Giger hizo para películas incluyen sus diseños para Poltergeist II, Alien3 y Especies, así como el legendario filme sin terminar Duna, de Alejandro Jodorowsky.

Necronom IV, pintura surrealista de Giger que formó la base para el diseño de Alien

Desde el comienzo de su carrera, Giger también ha trabajado en esculturas y ha tenido un permanente deseo de extender los elementos centrales de su visión artística más allá de los confines del papel hacia la realidad en tres dimensiones de sus alrededores. Pero no fue hasta 1988 que se le dio la oportunidad de diseñar su primer ambiente total, un bar Giger en Tokio, Japón. Sin embargo, fueron cuatro años más antes de que sus conceptos fueron propiamente realizados, bajo su supervisión personal, con la apertura de un segundo bar Giger em Chur, su ciudad natal, en 1992.

El Museo H. R. Giger, una nueva extension de este sueño, abrió sus puertas en junio de 1998, en el Chateau St. Germain, en la histórica ciudad medieval amurallada de Gruyères, Suiza. Como el hogar permanente de muchos de los trabajos más prominentes del artista, el museo guarda la mayor colección de pinturas, esculturas, muebles y diseños para películas de Giger, que datan de comienzos de los 60’s hasta la fecha.

Entre sus planes más próximos, se contemplan exhibiciones en Portugal, Rusia y Chile, así como la participación en numerosas exhibiciones en grupo en galerías y museos alrededor del mundo.

Actualmente, el artista vive y trabaja en Zurich con su tercera esposa, Carmen Maria Scheifele Giger, quien es la directora del Museo H. R. Giger.

Moda gitana. El “gitano” marcó el peak de sintonía en primera noche del Festival de Iquique

La ciudad de Iquique y el canal de todos los chilenos, están centrados en el objetivo de consolidar el certamen como el segundo más importante de nuestro país. Lo de anoche fue el inicio de este esfuerzo y el Gitano, uno de los grandes ganadores.

Convengamos que organizar un festival de esas características, conlleva un enorme trabajo de la organización, por tanto su gran estreno televisivo tenía a todos nerviosos, al menos a todos los involucrdos financieramente en el proyecto. Ejecutivos de TVN, la alcaldesa de Iquique, la intendencia regional y los auspiciadores, cruzaban los dedos para que el debut en la pantalla chica del festival iquiqueño dejara a todos contentos, la gente inclusive. Y así fue, la jornada musical lideró el rating nocturno, marcando su peak más alto con Claudio Valdés, el Gitano, con 18 puntos, quien además fue galardonado con la Bolla de Plata.

El show comenzó puntualmente a las 22:00 hrs. y una de las primeras sorpresas la marcó la presentación realizada por Francisco Melo a los animadores de la jornada, Karen Doggenweiler y Julián Elfenbein. Los primeros en subir al escenario fueron el trío conformado por Alex Ubago, Jorge Villamizar y Lena, y cumplieron. Posteriormente vino el momento de El Gitano. El joven músico a lo largo de su presentación se fue ganando el cariño de la gente que hasta llegó a corear “…de oro, de oro, de oro”, en alusión al mayor reconocimiento que tiene reservado el certamen, la Boya de Oro. Finalmente fue el turno para el hombre que cerró filas contra  la Ley SOPA, Tito el Bambino, quien a decir verdad comenzó el show bastante desafinado, pero acordándose del ritmo y algunas improvisaciones, paulatinamente se fue afirmando en el escenario. Para su tranquilidad, su presentación dificílmente será descargada por alguien.

Finalmente, ejecutivos del canal y el equipo organizador se mostró conformes y contentos con el debut televisivo del Festival de Iquique, que este año celebra su quinta versión

El “Padrino de los Muertos Vivientes” cumple años el día de hoy: George A. Romero

George Romero creó a los zombies. Él hizo las reglas: dispararles en la cabeza, si te muerden quedas infectado, los muertos regresando a la vida… George hizo todo eso.

– Eli Roth, director

George Andrew Romero nunca se propuso en convertirse en una figura de Hollywood; sin embargo, por todas las indicaciones, fue muy exitoso. El director de la innovadora hexalogía de Dead (…de los Muertos Vivientes) nació el 4 de febrero de 1940 en la ciudad de Nueva York. Sus padres, George M. y Ann Romero, eran de ascendencia cubana y lituana, respectivamente. Creció en el distrito del Bronx hasta que empezó a ir a la Universidad Carnegie-Mellon en Pittsburgh, Pennsylvania.

Después de graduarse, empezó a grabar mayormente filmes cortos y comerciales. Él y sus amigos formaron Image Ten Productions a fines de los 60’s y todos aportaron alrededor de 10 mil dólares cada uno para producir lo que se convertiría en una de las películas americanas de horror más celebradas de todos los tiempos: Night of the Living Dead (“La Noche de los Muertos Vivientes”, 1968).

Filmada en blanco y negro con un presupuesto de apenas un poco más de 100 mil dólares, la visión de Romero, combinada con un guión sólido escrito por él y su co-fundador de Image Ten, John A. Russo (junto con lo que se consideraba entonces como un exceso de gore), le permitieron a Night of the Living Dead recaudar mucho más que lo que costó, convirtiéndose en un clásico de culto a comienzos de los 70’s y fue incluida en el Registro Nacional de Cine de la Librería del Congreso de EEUU en 1999.

Las siguientes películas de Romero fueron un poco más de bajo perfil y menos vistas, que incluyen There’s Always Vanilla (1971), The Crazies (1973), Hungry Wives (1972) (en donde conoció a su futura esposa, Christine Forrest) y Martin (1976). Aunque no tan aclamadas como Night of the Living Dead, o como algunos de sus últimos trabajos, estas películas tenían su característico comentario social mientras trataba con problemas, usualmente relacionados con el horror, a un nivel microscópico. Al igual que casi todas sus películas, estas fueron filmadas en, o alrededor, de la ciudad favorita de Romero: Pittsburgh, Pennsylvania.

En 1978, Romero regresó con el género de zombies con una película que pudo superar el éxito de Night of the Living Dead: Dawn of the Dead (“El Amanecer de los Muertos Vivientes”, 1978). Romero gestionó la separación de la franquicia de Image Ten, que metió la pata con los derechos de autor de la película original, permitiendo que esta entrara a dominio público, con el resultado de que Romero y sus inversionistas originales no tuvieran derecho a beneficio del lanzamiento de la película en video.

Filmada en el centro comercial Monroeville Mall de Pennsylvania durante la noche, Romero cuenta la historia de cuatro personas que deben escapar de una epidemia de zombies, encerrándose dentro de lo que ellos piensan es el paraíso, antes de que la soledad los convierta en victimas de su propia codicia y la de una pandilla de motociclistas. Filmada con un presupuesto de 1,5 millones de dólares, la película ganó sobre 40 millones a nivel mundial y fue nombrada una de las mejores películas de culto según la revista Entertainment Weekly en 2003.

La película también marcó el primer trabajo de Romero con el brillante artista de maquillaje y efectos especiales, Tom Savini. Después de 1978, Romero y Savini formaron equipo muchas veces.

El éxito de Dawn of the Dead permitió a los cineastas tener presupuestos más grandes y mejores elencos. Primero fue Knightriders (“Los caballeros de la moto”, 1981), donde trabajó por primera vez con un joven y prometedor Ed Harris. Luego vino quizás su película más al estilo de Hollywood, Creepshow (1982), la cuál marcó la primera -pero no la última- vez en que Romero adaptó un trabajo del afamado novelista de horror Stephen King. Con muchas grandes estrellas y la distribución de un estudio grande, Creepshow fue un éxito moderado y dió lugar a una secuela, que también fue escrita por Romero.

El declinar de la carrera de Romero vino a finales de los 80’s. Su última película ampliamente divulgada fue la siguiente película de su saga Dead: Day of the Dead (“El Día de los Muertos Vivientes”, 1985). Ridiculizada por los críticos, tampoco recolectó mucho en la taquilla. Sus últimos dos esfuerzos fueron The Dark Half (“La Mitad Oscura”, 1993), otra adaptación de Stephen King y Bruiser (“El Rostro de la Venganza”, 2000). Incluso el remake de la primera película de Romero, Night of the Living Dead (1990),escrita por él y dirigida por Savini, fue un fracaso en la taquilla.

Encasillado como solamente un director de horror y sus recientes películas ya no logrando el éxito de sus filmes de zombies, Romero no ha trabajado mucho desde entonces, para el gran disgusto de sus seguidores.

En 2005, 19 años después de Day of the Dead, con la distribución de un estudio grande, Romero regresó a su más famosa serie de películas y al subgénero del horror que creó con Land of the Dead (“La Tierra de los Muertos Vivientes”, 2005), una nueva exploración de la destrucción de la sociedad moderna a causa de los muertos vivientes, que recibió comentarios excelentes e indiferentes; incluso estuvo al tope de de la cartelera de EEUU en su primera semana de lanzamiento.

Su más reciente película es Survival of the Dead (“La Resistencia de los Muertos”, 2010), que trata sobre la lucha de dos familias en medio de un mundo posapocalíptico donde los muertos han regresado a la vida; la disputa se basa en la manera en que ambos bandos ven la situación que aqueja al planeta. Fue un fracaso con la crítica y en la taquilla.

En relación a su vida personal, Romero contrajo matrimonio con su novia, Nancy Romero, en 1971, pero se divorció en 1978. Desde 1981 hasta su divorcio en 2010, estuvo casado con la actriz Christine Forrest, con quien tuvo 3 hijos. En septiembre de 2011, contrajo matrimonio con Suzanna Desrocher, a quien conoció durante la filmación de Land of the Dead. Actualmente ambos viven en Toronto, Canadá. Desde 2009, Romero posee doble nacionalidad -canadiense y estadounidense-.

En este video, George Romero hace un cameo en el videojuego Call Of Duty: Black Ops, específicamente en la misión Call of the Dead. También aparecen los actores Michael Rooker (The Dark Half, Cliffhanger, The Walking Dead) Danny Trejo (Desperado, From Dusk Till Dawn, Machete), Robert Englund (Freddy Krueger en Nightmare on Elm Street) y Sarah Michelle Gellar (Buffy the Vampire Slayer).

En una fecha como la de hoy fue “el día en que la música murió”

Buddy Holly, Ritchie Valens y J. P. “The Big Bopper” Richardson

El 3 de febrero de 1959 ocurrió uno de los sucesos más trágicos de la historia de la música en general, y del Rock and Roll en particular. Buddy Holly, Richie Valent y J.P. ‘The Big Bopper’ Richardson perdían la vida en un misterioso accidente aéreo que supuso, para muchos, la muerte de la música.

Aquel desastroso desenlace conmocionó a la sociedad estadounidense, que nunca llegó a entender cómo pudo producirse tan penoso cúmulo de infortunios. Por aquella época el gran Buddy Holly, uno de los precursores del Rock and Roll, acababa de romper con su banda, The Crickets, y se disponía a realizar una agotadora gira por Estados Unidos que le llevaría a 24 ciudades en cuestión de tres semanas. Su debilitada economía le obligaba a desempeñar esa maratónica y desgastante agenda.

Una de aquellas paradas estaba en Clear Lake, Iowa, donde acudía como estrella principal del festival Surf Ballroom. Sin embargo, el duro y frío invierno complicó la logística de todo su equipo una vez terminado el concierto. Ante la imposibilidad de poder desplazarse por carretera y la falta de calzoncillos limpios (la lavandería de Clear Lake estaba cerrada), Buddy Holly optó por fletar una avioneta para poder desplazarse a su siguiente destino: Moorhead, Minnesota.

Para ello contrató los servicios de un joven e inexperto piloto llamado Roger Peterson, que les cobró 36 dólares por el trayecto. En principio, Holly iba a viajar acompañado sus dos compañeros de banda, Tommy Allsup y Waylon Jennings. Sin embargo, Ritchie Valens (autor de la famosa canción La Bamba), pidió que le cedieran un sitio al no haber volado nunca y jugando con una moneda a cara o cruz, logró su objetivo.

Por su parte, ‘Big Bopper’ quiso también una plaza en la avioneta aquejado de gripe y Jennings le ofreció su asiento. Al enterarse Holly de que éste último se quedaba en tierra, le espetó que ojalá su autobús se congelara, a lo que Jennings respondió de manera profética: “Ojalá se estrelle tu avión”.

Monumento ubicado en el lugar del accidente

Unas horas más tarde de comenzar el vuelo, se informó de la desaparición de la avioneta y fue a la mañana siguiente cuando se encontraron sus restos en un campo de maíz. Los cuerpos de los tres músicos habían saltado por los aires mientras el piloto yacía muerto en su cabina. Un final triste para una historia que todavía hoy sigue siendo un misterio por diferentes motivos.

El cadáver de ‘Big Bopper’ apareció algunos metros más alejado del resto y los investigadores creyeron que pudo haber intentado pedir ayuda sin éxito. Pero lo que sobretodo provocó el misterio de tan trágico suceso fue la aparición, meses más tarde, de una pistola en las cercanías del accidente. Al parecer, pertenecía a Buddy Holly y muchos pensaron que se produjo algún tipo de discusión entre los músicos que terminó con la avioneta estrellada.

En 2007 se exhumó el cadáver de ‘Big Hopper’ con el fin de zanjar el asunto de una vez por todas y en búsqueda de algún resto de pólvora, pero fue en vano. No se encontró nada y la duda sigue todavía en el aire… Lo que sí quedó claro es que para muchos supuso la muerte de la música, tal y como cantaba Don McLean en su célebre canción American Pie. Y no le falta parte de razón. Buddy Holly, a sus 22 años, podía presumir de haber compuesto numerosos discos que más tarde sirvieron de influencia e inspiración para bandas tan importantes como The Beatles o The Rolling Stones. Sigan descansando en paz…

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=Lu7hxguhFfI[/youtube]

Swing y Jazz esta tarde en Victoria

Fotografía: Canal 5 Televisión

Un buen panorama se vislumbra para esta tarde en la plaza Manuel Balmaceda, ocasión en la que se presentará la recnocida orquesta formativa, “Conchalí Big Band”, agrupación que surgió a mediados de los ´90 de mano de Gerhard Mornhinweg, buscando crear un prototipo de la primera orquesta de jazz formada sólo por adolescentes, establecida en Conchalí, una de las comunas más populares y con mayor índice de riesgo social.

BREVE HISTORIA

En su origen, la Conchalí Big Band fue algo así como una versión independiente y alternativa a las Orquestas Infantiles y Juveniles del maestro Fernando Rosas.

Según la información recogida del sitio, músicapopular.cl, en 1994 Gerhard Mornhinweg consiguió el patrocinio de la Municipalidad de Conchalí y ahí emplazó su cuartel general para formar lo que en primera instancia sería una banda de desfile. Su método para reclutar músicos fue muy simple: se presentó en colegios de la comuna y con un par de instrumentos  convocó a adolescentes y a preadolescentes a probar tocar en sesiones dirigidas. Para entonces ya contaba con la comparecencia del altoísta Carmelo Bustos (de la histórica Orquesta Huambal) y y activo formador de saxofonistas) y del guitarrista de La Pincoyazz Jorge W. González. Éste fue parte del primer staff de maestros de niños de entre 12 y 18 años que nunca antes hubieron tomado instrumentos de viento en sus manos, ni menos conocido el lenguaje musical del jazz, la música en bloque y al improvisación solística a la que llegaron más tarde tras años de entrenamiento.

En sus primeros años de vida, la Conchalí Big Band tuvo al lado a una orquesta de profesionales, la Los Andres Big Band (formada en 1993), y poco después se les unieron las primeras orquestas universitarias: la Big Band UC (2000), la UCV Big Band (2001) o la Metrópolis Big Band (2001). En sus segundos cinco años de acción la orquesta adolescente lograría gran atención del medio. En 2001 efectuó una gira por Europa y en 2004 su peculiar historia llegó a un documental, Un viaje interior (del realizador Ricardo Carrasco). Pero fue en 2007 cuando alcanzó uno de sus máximos hitos al presentarse en conciertos al aire libre junto con la cantante chilena Claudia Acuña y su cuarteto neoyorquino en uno de los epcicentros urbanos de la propia Conchalí: Avenida Dorsal e Independencia.

Los dejamos con un adelanto de lo que esperamos escuchar esta tarde

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=5npkwFhfFHc&feature=related]